1 Feb - 2020 / 25 Mar – 2020
ORBIS TERRARUM - Transformando el paisaje
Bairo Martínez
Instalación.
ORBIS TERRARUM - Transformando el paisaje
Bairo Martínez
Tallar el carbón con formas que no son las suyas, pasarlo a bloques e incrustar en ellos objetos de la cotidianidad de los mineros y sus familias: parrillas, estufas, cascos, pupitres, planchas, bateas, jaulas para canarios; recubrir con materia negra libros que narran la Historia de Colombia hasta crear una suerte de lindero entre el antes y el ahora; revestir con carbón objetos que no son otra cosa que presencias de mina; objetos que una vez impregnados de la materia negra se apropian del reflejo de otro que vivió o vive aun el riesgo del socavón y sus profundidades, y situarlos en un contexto de luz es el punto de partida de la obra de Bairo Martínez. Objetos cotidianos, corrientes, que el artista extrae de su entorno natural como el minero extrae el carbón, y al hacerlo evidencia metáforas de vida que bajo una luz de afuera, luz del día, abandonan su cotidianidad y se convierten en llamado de atención, punto de referencia de realidades lejanas y con frecuencia ignoradas.
El contexto, como parte integral de cada utensilio, determina la relación con él y su uso. Las texturas adheridas o moldeadas para crear otras formas, otras presencias, hacen de la materia negra una obra de arte. Bairo Martínez transforma el carbón, pone en evidencia su intimidad y, en ese trance, lo convierte en historia que narra la relación abierta entre forma, luz y sentimiento en confabulación con los utensilios. Es innegable que un diálogo directo entre realidad, público y artista está en curso.
Saúl Álvarez Lara
Curador Museo Maja
1 Feb - 2020 / 25 Mar – 2020
INSPIRACIÓN AUTOMOTRIZ
Alejandro Martínez Vanegas
Ilustración
INSPIRACIÓN AUTOMOTRIZ
Alejandro Martínez Vanegas
El arte trasciende los tiempos. Con el mismo principio de cuadrícula que Alberto Durero utilizó en el siglo XV para dibujar del natural los trazos iniciales de sus grabados y pinturas; Alejandro Martínez, hoy, en los inicios del siglo XXI, dibuja modelos de automóviles, modernos contemporáneos, aerodinámicos. Claro está, la tecnología que en los años de El Durero se identificaba en “La cámara oscura”, ha evolucionado a la tecnología de la virtualidad, que utiliza Alejandro Martínez en sus dibujos. Si en el Renacimiento se empleaban pigmentos naturales aplicados con pincel sobre madera y tintas de fabricación artesanal para la impresión de grabados en papel hecho a mano; en la posmodernidad se aplican técnicas industriales: marcadores indelebles y lápices en extensas gamas de color que permiten reproducir al detalle las tonalidades y volúmenes que la luz refleja en las carrocerías inmaculadas de los automóviles. Alejandro Martínez es un dibujante y diseñador aplicado a la reproducción, con su toque personal, de modelos que lo apasionan. Por su dedicación al dibujo, los automóviles que presenta en esta muestra parecen a punto del movimiento o, si prestamos atención, es posible que escuchemos sus motores cuando aceleran. Sería algo parecido a lo que escucharon los jericoanos el sábado 10 de mayo de 1924 cuando el primer automóvil, un Ford Modelo T que llegó dos semanas antes desarmado a Jericó, circuló por sus calles.
Saúl Álvarez Lara
Curador Museo Maja
1 Feb - 2020 / 29 Mar – 2020
La fragilidad del paisaje
Maria Isabel Rincón Botero
La fragilidad del paisaje
Maria Isabel Rincón Botero
Heráclito advirtió, palabras más palabras menos, que la persona que se encuentra frente al paisaje hoy no es la misma que estará frente a él mañana y el paisaje tampoco. Lo dicho por el filósofo es una interpretación de fragilidad. Sin embargo, no solo el paisaje es frágil, la mirada también y, a pesar de su aparente inestabilidad, la luz y los colores cambian y las horas pasan; quien se encuentra frente al paisaje, quien lo mira, vislumbra la posibilidad de reconocerse en él. Este instante de reconocimiento, único y puntual, es el mismo que María Isabel Rincón recrea en sus obras. La fragilidad presente desde la elección de los materiales: papeles que la artista rasga, superpone y mezcla hasta alcanzar el momento, la hora, la tonalidad, la perspectiva; el procedimiento creativo que suscita la forma e insinúa la distancia; la luz y los brillos que incluyen la posibilidad de considerarlos integrados con formas estables, ventanas, que el paisaje precisa para ser visto, están al origen de ese instante de reconocimiento, único y puntual, que los paisajes de María Isabel Rincón, en su fragilidad, proponen. Sus paisajes son la expresión subjetiva de colores y contenido, de formas y continuidad que encuentran la posibilidad de reinventarse y, así mismo, reinventar la esencia de quien los mira.
Saúl Álvarez Lara
Curador Museo Maja
1 Feb - 2020 / 25 Mar – 2020
VACÍO
Hernán Marín
Dibujo
VACÍO
Hernán Marín
Sobre la obra de Hernán Marín
La distancia, el silencio, el eco del vacío, son elementos que permean la obra de Hernan Marín. Estas características no solamente se evidencian a través del componente visual concreto, es decir, la imagen, sino también desde el territorio de lo invisible de la obra. La distancia es marcada como una frontera donde la mirada es interrumpida por lo vaporoso en la imagen que hace de esta una apertura de lo inconcluso.
La obra en general fluctúa en diversas composiciones de personajes, multitudes, paisajes, lugares, entre otros. Todas estas imágenes van nutriendo un aparato poético de lo nebuloso, puesto que la atmósfera que se devela en la obra, indica una extraña dialéctica entre algo que se está evaporando y algo que queda de ese acontecimiento; que es al mismo tiempo algo que permanece; una sombra o una huella que se juega en una especie de lógica temporal de un todavía - constante.
La exploración en diversos materiales como soporte de la imagen, hacen evidente una búsqueda no solamente por plantear los límites o posibilidades del dibujo, sino además por explorar una estética, en la que la obra queda enmarcada en un desvanecimiento de la imagen; generando de este modo una tensión entre la imagen que se pierde y el soporte que recobra sentido o por lo menos hace presencia evocando un inquietante vacío.
Dicho brevemente, una de las pistas para comprender el territorio artístico que pretende configurar el artista a través de su obra, sería pues, una especie de silencio que evoca la existencia y que se resuelve en la nada de un dibujo que se pierde así mismo, para mantenerse en un gesto del trazo.
Verónica Pérez
24 Ene - 2020 / 24 Feb - 2020
Humboldt, la selva y la vida.
Libros antiguos.
Hay Festival
Sede: ATENEO, casa de la música.
Alejandro de Humboldt
FILOSOFÍA Y POTENCIAS DE LA TROPICALIDAD
Alejandro de Humboldt (1769-1859), combinó investigación y expedición, estableciendo, de ahí en adelante, el puente necesario e indispensable entre viaje y conocimiento físico del globo. Esto se tradujo en el reconocimiento de asociaciones dentro de la diversidad de la naturaleza. Resaltando la dinámica de los vegetales, Humboldt escribió la Geografía de las plantas, trabajo de una importancia capital para el conocimiento de las condiciones de existencia en las que crecen las plantas en cada región de la tierra. Así, encontró en la selva tropical la intensificación más potente de la vida, la cual es posible en medio de asociaciones vegetales diversas, humedad, luminosidad y temperatura singulares, que devienen una región en la cual las mezclas extrañas permiten comprender el funcionamiento de la vida. Los libros de Humboldt producen una filosofía de la naturaleza tropical que es al mismo tiempo una filosofía del respeto a todas las formas de vida -absolutamente necesaria en estos tiempos de graves crisis en nuestra relación con el planeta- y, por este motivo, es decir, por su importancia en el presente actual, compartimos su fuerza bibliográfica para potenciar otras relaciones con el planeta y otros contactos con la diversidad de la vida.
Alberto Castrillón
Profesor Universidad Nacional sede Medellín
24 Ene - 2020 / 25 Mar - 2020
El taller arte dos gráfico, un lugar de encuentro y creación.
Grabado latinoamericano y libros de artistas.
Hay Festival.
Taller Arte Dos Grafico
Un lugar de encuentro y creación
Un día del año 105 dC, en China, Ts’ai Lun inventó el papel. Fue el primer paso para que artesanos, orfebres y dibujantes se acercaran al grabado. Sin embargo, solo hasta mediados del siglo XVI, cuando un orfebre grabador cubrió con tinta una plancha de metal marcada por los surcos del buril, limpió la tinta sobrante dejando únicamente la que se incrustó en los surcos y luego, con un rodillo, presionó sobre la plancha un papel humedecido, hasta que los surcos aparecieron reproducidos en el papel, que el grabado como método de reproducción múltiple se convirtió en arte. Con los avances en la técnica aparecieron otras formas de reproducción: el punteado, la aguatinta, la xilografía, el aguafuerte, la mezzotinta. Durante la primera parte del siglo XX la litografía y más tarde, a partir de los años sesenta, la serigrafía. La reproducción múltiple reveló la posibilidad de ampliar la circulación de las obras de arte. Movimientos como el surrealismo, el expresionismo, el cubismo, el dadaísmo, el fauvismo, el futurismo, el abstraccionismo utilizaron las técnicas de reproducción múltiple como medio para la divulgación del arte en todos los niveles de la sociedad.
El Taller Arte Dos Gráfico y la Galería Sextante han sido desde su fundación, a mediados de los años setenta, el lugar donde artistas nacionales e internacionales encuentran los espacios y el conocimiento para desarrollar y perfeccionar conceptos gráficos y ediciones numeradas de libros de artista con técnicas de reproducción múltiple. El Museo Maja se siente orgulloso de presentar esta exposición, una muestra única de la expresión gráfica contemporánea.
Saúl Álvarez Lara
Curador Museo Maja
