De la Escuela Mexicana a la Antioqueña
Olga Yepes de Castaño
una artista a la luz del presente
La Escuela Mexicana surge en 1921 y representa un momento significativo en la producción artística de la primera mitad del siglo XX. Su discurso estético se caracterizó por el nacionalismo que, inspirado en el arte popular, trascendía los cánones tradicionales, además de que representaba la belleza ideal de una manera diferente. Por otro lado, la Escuela Antioqueña se propuso renovar los caminos del arte y construir una ética y una estética personal, unidas a una conciencia histórica y crítica. Ambas escuelas guardan una particular relación.
Olga Yepes nació en 1925 en Granada, Antioquia, y desde temprana edad manifiesta su interés por el arte, especialmente por la pintura y el dibujo. En 1947 ingresa a la escuela de Bellas Artes de Medellín. Recibe clases de acuarela y óleo, con énfasis en la figura humana, bajo la tutela del maestro Rafael Sáenz. Entre 1953 y 1954 estudia en la Escuela Esmeralda, en México, y allí se encuentra con la expresión de lo autóctono como homenaje a la cultura indígena mexicana. Luego trabaja con Diego Rivera, de quien aprende la pintura al temple y la técnica del fresco.
Su talento se expresa en cada una de sus obras. La humanidad de sus personajes crea un universo personal que abarca el desamparo, el desplazamiento, la maternidad, la naturaleza, y la cotidianidad a lo largo de 70 años de vida artística.
El Museo se honra con su presencia en esta sala y agradece a sus descendientes el poder contar con algunas de sus obras en su Colección de Artes Visuales.
Andrés Galeano
MEMORIAS DE UN RÍO CLARO
Jeison Sierra
El trabajo de Jeison Sierra narra un diálogo continuo donde el paisaje es el territorio que estimula la mirada sobre las diferentes formas en que el ser humano incide en su entorno vital.
En esta oportunidad el paisaje convertido en agua se mezcla con texturas, formas y movimientos que rememoran la corriente de un río claro distinto, alterado. ¿Dónde hallar el río claro sin la penumbra de las consecuencias? La densidad con la que el color interviene el paisaje diversifica su interpretación, la enriquece.
Los colores amplían la profundidad, un río enlodado es también la noche de un destierro. La vitalidad del color impacta por su ambigüedad.
La obra se entrelaza entre el recuerdo de un río que se transforma y se conserva a pesar del acecho del olvido, la impotencia y la nostalgia.
El Dorado Enterrado
Xandra Uribe
En "El Dorado Enterrado", celebro la riqueza natural y cultural de Colombia a través de la humilde semilla de frijol. Este sencillo elemento, cargado de historia y simbolismo, se convierte en joya, descubriendo en sus formas y colores una armonía natural y una conexión profunda con las tradiciones ancestrales de nuestro país.
Inspirada por las múltiples bondades de los frijoles, los transformo en piezas artísticas que reflejan la belleza y diversidad de la naturaleza colombiana. Las "Serpientes ADN", confeccionadas con cientos de semillas, evocan la geometría divina y la vitalidad de las culturas precolombinas, donde la serpiente es un símbolo predominante.
A través de mis joyas, invito a redescubrir la riqueza escondida en nuestra biodiversidad, recordándonos que el verdadero tesoro de la nación no solo reside en sus vastos paisajes, sino también en la belleza y la vida que brotan de cada pequeña semilla. "El Dorado Enterrado" es mi tributo a la grandeza natural de Colombia y a la capacidad de encontrar lo extraordinario en lo cotidiano.
Xandra Uribe
GEOGRAFÍAS INVISIBLES
Juan Ricardo Mejía
“En las ciudades invisibles no se encuentran ciudades reconocibles”.
― Ítalo Calvino.
Es bien conocido que el ser humano transforma y dispone de la materia natural que el medio ofrece. La manera como la moldea y condiciona según las necesidades o intereses que propone son el resultado de un plan de acción donde crea caseríos, pueblos o ciudades, cuyo destino sólo es determinado por el tiempo.
Geografías invisibles se dispone desde una materialidad formal, geométrica y expectante en la que cada punto de partida y cada elemento singulariza un espacio transformado. Su carácter revitaliza el territorio representado, sin tiempo, en cada una de las piezas.
Juan Ricardo Mejía propone un recorrido en el que el espacio traza su propia dimensión. La abstracción material de la obra guía al espectador sin ruido, ni convencionalismos, y lo lleva a descubrir su propia geografía y dibujar sobre ella sus límites.
Andrés Galeano
FORMAS DE VER UN PAISAJE
Sebastián Restrepo Ospina
“Sólo la imagen abstracta puede representar la naturaleza fundamental del drama humano”.
― Mark Rothko
La memoria de cada individuo establece un universo particular e intransferible, crea una forma única de desplazar la realidad hacia un sinfín de interpretaciones que se amplían, se complementan y fusionan con el arte. Tal es el caso de esta serie, en la que se explora una génesis que para el artista es reminiscencia vital en su memoria.
Un paisaje que ocupa el espacio y su recuerdo se convierte en tejido de color, textura y forma. En esta obra se trasciende la realidad para explorar una expresión propia que combina, sin distinción, el dolor, la infancia y el paisaje entrañable de Urabá, lugar de donde parte el artista y el cual permite hacer de su recuerdo una memoria convertida en pintura.
Sebastián Restrepo transforma su paisaje en un espacio íntimo, sugiere al espectador la intuición de sus secretos, al tiempo que lo invita a descubrir en sus obras su propio lugar. Su experiencia es el mundo interior que da fuerza a su pasión por la pintura.
Andrés Galeano
MÁS ALLÁ
Juan Diego Arango
Superar lo que a la vista parece evidente, es fundamental para despejar de la mirada la vacuidad, con la que se suelen observar las imágenes. Esto permite ampliar y enriquecer las diversas interpretaciones que se fusionan entre lo que se ve y lo que se descifra.
En esta muestra expositiva se reúnen tres momentos claves que hacen parte de la búsqueda del artista, no sólo desde lo fotográfico, sino también desde el concepto, aspectos en los que sobresale su interés por el paisaje y la relación entre humanos y animales. Adportas, Árbol de la Vida y Cautiverio, ponen en diálogo la singular forma de interpretar sus escenas e invitan con su estilo a ver más allá de lo representado en la imagen. Aquí, la fotografía se toma como una reinterpretación de la realidad, en la que la recreación de la imagen cede la libertad al artista sobre su obra, de modo que la fotografía se presta para explorar más allá de la representación de un espacio o escena real.
Más allá invita al espectador a explorar sus variados escenarios a partir de una reflexión que supera la literalidad. Los elementos simbólicos que pertenecen a esta obra, amplían su lectura, toda vez que, permiten que la mirada del observador enriquezca y dote de sentido lo observado.
HERBARIOS Y MEMORIAS
Yuli Cadavid
La tierra tiene muchas llaves.
Donde no está la melodía está la desconocida península.
La belleza es la realidad de la naturaleza.
Emily Dickinson, 575 (1775)
Toda observación detenida evoca en la fuerza creativa del artista un cauce, una vía en que la obsesión vincula su memoria, sus tradiciones, su génesis. De este modo es posible acercarse a la obra de la artista Yuli, que descubre mediante la técnica, especialmente el grabado, un puente que moviliza su actividad creativa entre variados intereses, que permite pensar su lugar como hija, madre, mujer y artista en el mundo. Esta reflexión abre al espectador un horizonte botánico en el que la creatividad se entrelaza con la intervención de libros recuperados, pócimas y demás curiosidades.
Herbarios y memorias se articulan para reflexionar sobre las prácticas del cuidado de nuestros ancestros y la urgencia de ser conscientes de nuestras formas de proteger-nos; permiten pensar el lugar de los rituales cotidianos en las tradiciones y su relevancia en el entorno colectivo.
Yuli absorbe el mundo natural junto a su historia y lo devuelve transformado en su arte decantado por una sensibilidad renovada.
CreaXionario
Acciones para Crear
Es un laboratorio artístico en red que propicia el encuentro de artistas de las diferentes regiones del departamento de Antioquia, con el objetivo de crear un diálogo de saberes en los territorios y vincularlos como referentes para creaXionar el conocimiento y la experiencia artística generando intercambios educativos, culturales y sociales, acciones colaborativas, disruptivas, transformadoras, incluyentes y diversas que favorecen el proceso de enseñanza/aprendizaje de la educación artística y cultural en diferentes contextos.
Es un proyecto de investigación realizado como un tejido con la voz de los artistas y principal fuente de inspiración para optar al título de licenciados en Artes plásticas en la Universidad de Antioquia, en el marco de la convocatoria Profesionalización de Artistas 2021-2023
Del mito a la imagen
Hernando Hincapié
Los mitos y leyendas cumplen un lugar fundamental en la tradición de Antioquia, relatos construidos y prolongados a lo largo del tiempo por medio de la oralidad contribuyen a una identidad condensada en el folclore regional, cuyas narrativas permean el comportamiento y creencias de toda comunidad.
En esta oportunidad el mito se hace imagen, se muestran en escena personajes clásicos, se recrea un imaginario propio de la esencia de cada mito, en el cual la recurrencia de la naturaleza y varios elementos vinculados a la religión y al control de conductas inadecuadas, influyen considerablemente en el relato cosmogónico.
A la trayectoria de Hernando Hincapié se suma una vida entera en la que el arte y la sensibilidad lo han llevado a cultivar una vasta obra, en la que la variedad técnica y temática han ampliado su interés y curiosidad por el mundo.
Del mito a la imagen captura con singular ingenuidad la idiosincrasia del mito, crea un mundo en el que los personajes hacen parte de su realidad al espectador; un mundo en el que el paisaje entrega al espectador sus montañas como comunes y a la vez ajenas. El carácter de su estilo natural y espontáneo recrea la fantasía y el enigma en la luz de sus colores.
